Vidas Ignominiosas

CANSADO:- Hola. Buenas noches a todos. Estoy muy preocupado porque he cometido un crimen ignominioso, y he venido a este programa de víctimas de la televisión para que, por lo menos, aunque me detenga la policía, por lo menos me hagan famoso. Yo estaba haciendo una chapuza en casa de unas viejas millonarias y, cuando ví que tenían tantísimos millones, dije:"Las acuchillo" y ya no pude más y las acuchillé el parqué y les he sacado 25.000 pesetas de más y mi mujer no me lo perdona y se ha divorciado.

FAEMINO:- Buenas noches. Me llamo Andrés Sánchez y tengo una clínica dermatológica ignominiosa. El otro día vino un jovencito, actor, y me dijo que tenía acne. Y entonces, le dije:"Bueno, te voy a atender". Pero empecé a dar rodeos, con lo cual no fui al grano y el chaval perdió el curro. Lo peor de todo es que mi mujer se ha divorciado.

CANSADO:- Buenas. Yo si que tengo un problema, porque tengo un hijo que es ignominoso, y entonces, se ha marchado de casa: Ha hecho la maleta y se ha ido en un viaje organizado a Brasil. Quince días de viaje, y hace tres días que se marchó y no sabemos nada de él. Por favor, Juan Luís, llama desde donde estés, pero no a cobro revertido. Mi mujer dice que yo soy el culpable y en tanto en cuanto se ha divorciado.

FAEMINO:- Me llamo Luís Miguel Ruidrobo. Hace quince días un socio mío que estaba trabajando conmigo en una empresa -ignominiosa, por supuesto-, se ha marchado. Por favor, yo pido desde este programa que aparezca. Que aparezca con los cincuenta millones que se llevó. Por favor, una cosa es la amistad y otra cosa es el dinero: La amistad te la puedes meter en el culo, pero el dinero, por favor, devuélvemelo. Lo peor de todo es que mi mujer se ha divorciado.

CANSADO:- No, ya está, ya no hay más.

Faemino y Cansado

Perruca campeón

Desconocíamos la existencia de esta emocionante misiva. Andrés Perruca, músico y escritor(El Niño Gusano, Tachenko, Zona de Obras) dedicaba hace unos meses estas sentidas líneas al desaparecido Sergio Algora, si, ese cabrón. Sara (grazie mile) nos ha hecho conocer de su existencia y hemos querido compartirla con vosotros, dice así...

Sergio, eres un cabrón.

Ni Mastroianni, ni Tarantino, ni siquiera Gainsbourg se
habían atrevido a tanto; dejarnos a mitad de la película.
Sólo a ti se te ocurre. Como para escribirte un obituario
de los de toda la vida diciendo lo bueno y lo simpático que
eras y recordando todo lo que hiciste: discos, poesía,
relatos, cuentos, columnas, letras de canciones, noches
inolvidables, juegos de palabras, juegos de todo tipo...

Estamos los que te queremos como para hablar de El Niño
Gusano, de Muy Poca Gente o de La Costa Brava. Estamos como
para hacer hincapié en el talento que tenías y en la magia
que te rodeaba. Estamos como para rendir homenaje a tu
calidad literaria y humana. Estamos como para decir cosas
como "Siempre se van los mejores" y mierdas
parecidas. De eso nada cabronazo, porque nos has dejado muy
jodidos.

Tú ya sabías, incluso antes de leer el 2001 de Arthur C.
Clark, que cien mil millones de personas son las que han
pasado por la tierra en toda la historia y que justo ése es
el número de estrellas que contiene la Vía Láctea. Las
cuentas salen solas y te toca un sistema solar enterito para
ti solo.

Yo sé que ahora estás allí, en tu sistema
particular, y que ahora mismo vas surcando el espacio, de
planeta en planeta, convertido en capitán, cronista, diyei,
bibliotecario y barman de un crucero sideral. También sé
que cada uno de esos planetas contiene la mejor música, las
chicas más hermosas y los poemas más extraños. Y también
sé que has evitado el movimiento de rotación de los
planetas para que no haya noche ni día. ¿Para qué, si a
ti te dan igual esos detalles y sólo hace falta que te
apetezca que sea la hora de vermú, de la cena o de irse a
dormir para que lo hagas?

Siempre has sido el chico más listo de la clase (y el que
tiene la cabeza más grande, no te creas que te vas a
librar) y siempre has sabido bien que los asuntos más
serios son los que mueven a risa y que en este mundo
práticamente lo único que vale la pena son los buenos
momentos que te llevas al final y los buenos recuerdos que
dejas en la gente a la que amabas. También sabes que no hay
que ponerse drástico y que sólo hace falta dar tiempo al
tiempo: dentro de menos de lo que nos imaginamos cada uno de
nosotros tendrá su estrella y ya te encargarás tú de de
navegar de una a otra para volvernos a conectar a todos con
tu magia. Sí, tú eres muy listo y lo sabes muy bien, pero
nosotros no, y por eso nos hemos quedado tan jodidos.

Además, te dejaste sin terminar la entrevista a Bigott para
ZdeO. ¿Qué hacemos ahora? ¿Qué hacemos ahora, pedazo de
cabrón? ¿Qué cojones vamos a hacer ahora?

lo ha escrito andrés perruca y va para Sergio
Algora,claro.

Yo ya te lo dije

Sin (más) palabras

Phil Spector

El 26 de Diciembre de 1939 nacía en el neoyorquino distrito del Bronx, Harvey Philip Spector, quien ha pasado a la posteridad con el nombre de Phil Spector.

El compositor, músico y productor comenzó en el mundo de la música en 1958 como guitarrista de The Teddy Bears, grupo que alcanzó un notable éxito con la canción “To know him is to love him” (frase extraída del epitafio que corona la tumba de su padre, quien se había suicidado unos años atrás debido a serios problemas económicos).

Tras el paso por su primera banda, Spector se pasó a la producción, y fue entonces cuando la música pop ganó a uno de sus grandes genios. Fue el creador del famoso “Wall of Sound”, mediante el cual pretendía un acercamiento a la música de Richard Wagner a través de irresistibles melodías pop, dotando siempre de gran belleza e intensidad sus producciones, destacando la cuidada orquestación, el manto de voces y una instrumentación meticulosa. No es por nada que el mismísimo Brian Wilson lo haya considerado siempre como un claro ejemplo a imitar.

Entre su vastísima producción podemos destacar la que le vinculó a los Beatles, siendo el productor a quien recurrió Lennon para que diera forma a “Let it be”, así como a su universal “Imagine”. También se encargó de producir el “All things must pass” de George Harrison.

Ya antes, en los años cincuenta había triunfado con composiciones como “River deep, Mountain high” para Ike & Tina Turner, “You've lost your lovin' feelin'” para los Righteous Brothers, “Spanish Harlem” para Aretha Franklin, “Be my baby” para las Ronettes, y un largo etcétera.

Spector se encargó también de producir a otros artistas de la talla de Dion & The Belmonts, The Drifters, Darlene Love, los Ramones o Leonard Cohen.

Precisamente, durante las sesiones de grabación de “The Death of a ladie's man” se produjo una de las anécdotas más recordadas de la historia del Rock & Roll.

Dentro la gira de presentación del “The Best of”, Leonard Cohen vio a Spector entre el público en el Troubadour de Los Ángeles y decidió que podía estar preparado para entrar bajo el alud sonoro del “Rey del Eco”.

El canadiense lo cuenta así, “Phil vino a verme a un concierto que di en el Troubadour y después me invitó a su casa. Cerró la puerta con llave para que no pudiéramos salir. Le dije 'Mira, Phil, si nos encerramos aquí, vamos a aburrirnos, así que, ¿Por qué no escribimos algunas canciones juntos?'. Cohen y Spector escribieron quince temas en tres semanas, en una colaboración que el poeta recuerda como algo 'refrescante y divertido' Pero la cosa se agrió a la hora de grabar:'En el estudio, Phil estaba rodeado de armas y guardaespaldas, el suelo estaba lleno de balas y botellas de vino...Un ambiente peligroso. Una vez me puso un revolver en el cuello y me dijo 'Te quiero, Leonard'.'Eso espero', dije yo. Phil estaba pasando un periodo caprichoso. Cada noche confiscaba las cintas y se las llevaba a su casa bajo custodia. Eligió las pistas y mezcló el álbum en secreto. Una vez acabado, lo entregó a la discográfica, yo sólo tenía que decir si o no...Y esto no es más que una pequeña parte de la historia. Hubo un momento en que me planteé si tendría que alquilar yo también unos guardaespaldas y resolver mis problemas con Phil en Sunset Boulevard”.

Más recientemente Phil Spector se encargaría, en otras conflictivas sesiones, de la producción de dos de los cortes del segundo disco de los británicos Starsailor, “Silence is easy”, todo ello debido a la enorme afición de su hija por dicho grupo.

En 1989 Spector pasó a formar parte del Rock & Roll Hall of Fame y en 1991 se publicaría la imprescindible caja "Back to Mono", donde se recopilan sus grandes éxitos.

Felicitamos desde aquí a este músico con mayúsculas, uno de los grandes de todos los tiempos. Os proponemos, de paso, como bálsamo para hacer más llevaderos estos último días del año el hit de las Ronettes, “Be my baby”. Y terminareis así de digerir los atracones navideños de un modo de lo más romantico.

Antonio

Mittens

Nos encantan. Son los Mittens, son madrileños y tan sólo cuentan con dos singles en su haber (“Fix of Sun!” y “Mingering Mike”), aparte de su inclusión en el recopilatorio “Somos los mods” (bip bip records, BCD 056) . Escaso bagaje, pero suficiente como para cautivarnos. Es el suyo un power/bubblepop muy pop. Guitarras potentes y voz angelical que recuerdan a las Undershakers (si éstas hubiesen fichado por Sarah), a The Wannadies, e incluso a veces a Fine. Atesora mucha clase este quinteto, y en directo parece ser que no dejan a nadie indiferente (ya han teloneado a Cooper, Rogue Wave o Loveninjas entre otros muchos grupos). Es por eso que nos gustaría contar con su presencia en la fiesta de puesta de largo de Yo ya te lo dije allá por el mes de Febrero de la que os mantendremos puntualmente informados.

Os dejo ahora con la historia que dio origen a cada una de los cuatro cortes que componen, “Mingering Mike”, como os digo, el segundo single de la banda.

MINGERING MIKE

Me encanta The discovery of a world inside the moone, el cuarto disco de Apples in Stereo. Tiene muchas canciones con melodías pegadizas y al mismo tiempo muy bailables. Mingering Mike pretende ir un poco por ahí, una canción con mucha melodía y con un riff de teclado machacón que tira del ritmo. La canción surgió cuando no paraba de escuchar el último disco de Belle and Sebastian, un grupo que siempre me ha dado bastante grima porque no soportaba la voz del cantante a pesar de que cumplía todos los requisitos para que me gustaran. Pero el último disco, donde dejaron atrás la afectación y se metían de cabeza en el rollo glam y soul chicloso, es uno de mis discos favoritos de los últimos años, me parece de 10. Mingering Mike trata básicamente sobre esta historia (http://www.mingeringmike.com) que me reenvío Pepe hace cosa de un año (hay publicado un libro con todos los dibujos de Mingering Mike que tiene una pinta estupenda).

HARD DRINKS

La idea de la letra de esta canción era básicamente hacer una parodia de las canciones de country clásicas (pensando sobre todo en Hank Williams) donde los cantantes, a pesar de su imagen dura e intimidadora, tenían unas letras bastante lloricas. Al final la melodía quedó resultona y parece una canción seria y grave cuando surgió como una broma. De lo que hemos grabado hasta ahora es la que más me está convenciendo, pero también es la más sencilla y la que necesita menos arreglos para funcionar. Seguro que cuando Anita meta voces y Javi la melódica queda redonda.

ROCK GARDEN SILVER JUBILEE

Hace unos meses en Madrid hubo una exposición sobre Art Brut donde proyectaban un documental sobre Nek Chand , un artista indio que había creado una especie de jardín gigante lleno de figuras que él y sus ayudantes han ido construyendo a lo largo de los años con todo tipo de materiales de deshecho. La historia es fascinante, por lo extraño de las figuras, lo descomunal del proyecto y por todos los conflictos que ha tenido (le llevó a enfrentarse a LeCorbusier que diseñó en la época un plan para reestructurar su ciudad y que contaba con pasar por encima de este jardín). La canción tiene un riff de guitarra que está inspirado en los Dexys Midnight Runners y al final suena mucho a The Clash pero en plan bubblegum. Creo que va a quedar bastante chula, con muchas guitarras, palmas, xilófonos y coros. ¡Espero que no nos pasemos y que no la acabemos recargando!

HERE AND GONE

Otra con bastante rollo country pensando en Buffalo Springfield y Beachwood Sparks, dos de nuestros grupos favoritos. A ver si le damos un toque un poco marciano con los arreglos que ha pensado Pepe para que no quede muy convencional de melodía. Ayer estuvimos ensayando coros con María y la parte final que es en plan apoteósica de guitarras y muchas armonías puede quedar bastante chula.

Extraído de http://www.lacoctelera.com/mittens/posts/index/4

Antonio

Los número 1 en Nochebuena

"Lemon Pop" es el último sencillo publicado por Cooper (ER-374) con el que se ha situado en lo más alto de la lista de ventas de singles en España durante 7 semanas consecutivas. Con esto Alex Díez alcanza el éxito masivo que parece que se le negó, en cierto modo, en la era pop y que ahora en la era del pensamiento único y la modernidad que lo abarca todo (tooodooo) parece sonreirle.

Justicia histórica para alguien que atesora una colección de álbumes y canciones tan indiscutibles. Ahora los leoneses acaban de ceder dos posiciones, bajando hasta el número tres, lo que les impide alcanzar la Nochebuena coronando este ranking. Mérito éste que si consiguieron en su día los siguientes artistas. Hay algunos muy curiosos. Os invitamos a elegir vuestro preferido, yo ya tengo el mío;

- 1959 "Lonely Boy", Paul Anka (6 semanas)
- 1960 "Xipna Aghapi Mou", Nana Moukouri (1 semana)
- 1961 "Moliendo Café", Lucho Gatica (7 semanas)
- 1962 "Balada Gitana", Duo Dinámico (6 semanas)
- 1963 "Dile (Tell Him)", Luís Aguilé (6 semanas)
- 1964 "Ma Vie", Alain Barriere (6 semanas)
- 1965 "El mundo", Jimmy Fontana (11 semanas)
- 1966 "Black is Black", Los Bravos (12 semanas)
- 1967 "Aranjuez, mon amour", Richard Anthoy (4 semanas)
- 1968 "Que tiempo yan felíz (Those were days)", Mary Hopkin (6 semanas)
- 1969 "Sugar, sugar", The Archies (9 semanas)
- 1970 "N'a veiriña do mar", María Ostíz (5 semanas)
- 1971 "Mammy Blue", Los Pop Tops (11 semanas)
- 1972 "Speak softly love (tema de amor), El Padrino", Andy Williams (16 semanas)
- 1973 "Algo más", Camilo Sesto (10 semanas)
- 1974 "Rock your baby", George McRae (7 semanas)
- 1975 "Amor, amor", Lolita (10 semanas)
- 1976 "Europa (Earth's cry, heaven's smile)", Santana (2 semanas)
- 1977 "Oxygene (parte 4)", Jean Michael Jarre (1 semana)
- 1978 "Tu", Umberto Tozzi (9 semanas)
- 1979 "Reunited", Peaches & Herb (1 semana)
- 1980 "Woman in love", Barbra Streissand (7 semanas)
- 1981 "Ma quale idea", Pino D'Angio (14 semanas)
- 1982 "Amor de Hombre", Mocedades (5 semanas)
- 1983 "What a feeling", Irene Cara (2 semanas)
- 1984 "¿Cómo pudiste hacerme esto a mí?", Alaska & Dinarama (8 semanas)
- 1985 "We don't need another hero", Tina Turner (2 semanas)
- 1986 "Lessons in Love", Level 42 (3 semanas)
- 1987 "Never gonna give you up", Rick Astley (7 semanas)
- 1988 "Nothing's gonna change my love for you", Glenn Medeiros (7 semanas)
- 1989 "Pump up the jum", Technotronic (8 semanas)
- 1990 "I've been thinking about you", Londonbeat (7 semanas)
- 1991 "Black or White", Michael Jackson (11 semanas)
- 1992 "Because the Night", Co.ro feat. Talesa (8 semanas)
- 1993 "Boom! Boom! Shake the room, Jazzy Jeff & The Fresh Prince (7 semanas)
- 1994 "Hyper hyper", Scooter (1 semana)
- 1995 "Nirvana", Viva (2 semanas)
- 1996 "Macarena Christmas", Los del Río (2 semanas)
- 1997 "En Navidad", Rosana (3 semanas)
- 1998 "Believe", Cher (9 semanas)
- 1999 "Rhythm Divine", Enrique Iglesias (8 semanas)
- 2000 "No cambié", Tamara (9 semanas)
- 2001 "And then there was silence", Blind Guardian (2 semanas)
- 2002 "No sufir", Christie (2 semanas)
- 2003 "Nothing fails", Madonna (2 semanas)
- 2004 "Todo nos parece una mierda", Astrud (3 semanas)
- 2005 "A pain that I'm used to", Depeche Mode (1 semana)
- 2006 "Antes que ver el sol", Coti (4 semanas)
- 2007 "Himno Oficial Sevilla F.C.", El Arrebato (12 semanas)
- 2008 "Miles Away", Madonna (primera semana)

Como habréis comprobado, salvo honrosas excepciones, la lista retrata un poco la cultura musical española del último medio siglo. Si, conocemos las razones principales, pero vaya lista...En fin, enhorabuena Alex.

Yo ya te lo dije

Nick Drake

Nick Drake es un cantautor folk conocido por sus melodías preciosas y sus tristes letras. Mientras vivió sus discos no tuvieron apenas repercusión, quizás lastrados por su reticencia a tocar en directo, pero tras su muerte y con el paso de los años artistas de la talla de Paul Weller, Robert Smith o Badly Drawn Boy lo han citado entre sus mayores influencias, lo que ha hecho que su música sea mucho más conocida.

Nick Drake nació en Birmania en 1948. Creció en la pequeña ciudad inglesa de Tanworth-in-Arden, donde vivió con sus padres. Sólo publicó 3 álbumes en su corta carrera, y en una gris mañana de 1974 fue encontrado muerto en su habitación a la edad de 26 años con una sobredosis de antidepresivos, que tomaba para dormir. No se sabe si fue suicidio o muerte accidental, como en la mayoría de estos casos.

Como he comentado anteriormente sólo llego a publicar 3 álbumes de estudio, “Five Leaves Left”, “Bryter Later” y “Pink Moon”. El primer disco, “Five Leaves Left”, fue publicado en 1968. Es el disco más exuberante en términos de arreglos, a la voz y la guitarra (que, por cierto, toca de una manera bastante original, y que nadie después ha imitado) de Nick se le unen instrumentos de cuerda para dotarlas de más fuerza. En esta grabación Nick tuvo problemas con el productor, Joe Boyd, y recurrió a un viejo amigo suyo, Robert Kirby, que comprendió mucho mejor el sonido que Nick quería. El disco comienza con Time has told me, y la voz de Nick se va metiendo poco a poco en nuestras cabezas. River man, Cello song o Fruit tree son algunas de las otras joyas que aparecen. En Fruit Tree, canta Nick: “Fame is but a fruit tree. So very unsound. It can never flourish Till its stock is in the ground”, es decir, que la fama es tan poco sólida como un árbol frutal, nunca florece hasta que su tronco yace en el suelo. Qué proféticas esas palabras en relación a la vida de Drake.

El segundo álbum, “Bryter Later”, es el más “alegre” en su carrera. Las melodías en esta ocasión comparten escenario con saxos, flautas y ritmo de piano. En este disco aparecen las dos Hazey Jane, la tristuna Fly (revisada recientemente por The Soundtrack of our Lives) o la majestuosa Northern Sky, que Los Planetas osaron versionar. La grabación del disco fue muy larga porque Nick buscaba la perfección en él, y quedó muy orgulloso del resultado. La decepción con las pocas ventas del disco fue mayúscula para Nick, aunque la compañía, Island Records, quedó satisfecha.

Y llegamos al último disco de su carrera, mi favorito, “Pink Moon”. Drake estaba sumido en una grave depresión, y el disco fue grabado en dos noches, sin otro acompañamiento que su guitarra y un piano. El ingeniero de sonido pensó que eran grabaciones preliminares, y le preguntó a Nick sobre los arreglos que quería, y éste le respondió con un escueto “No frills”, es decir, nada de florituras. Sin dar explicaciones, Nick dejó la cinta en Island y se marchó a su casa. El disco tuvo incluso menos aceptación que los anteriores. Son 28 minutos de melancolía, crudeza, desesperación. Comienza con Pink Moon, “I saw it written and I saw it say…”, y nos adentramos en su mundo. Which will, Road, Harvest Breed, son algunas de las mejores canciones. El disco se cierra con From the morning, las últimas palabras que escuchamos son “So look see the sights. The endless summer nights. And go play the game that you learnt. From the morning.”

Para conocer la obra de Nick, recomiendo el recopilatorio “Fruit tree”, que trae los tres discos (o vinilos) más el documental “A Skin Too Few”, más que interesante para conocer más detalles de la vida de Nick en boca de sus productores o su hermana. También hay un libro muy recomendable, de la editorial Metropolitan, dependiente de Mushroom Pillow, “En busca de Nick Drake. Más oscuro que el más profundo mar”, escrito por el crítico Trevor Dann. Además de los tres discos, también existen muchos recopilatorios, como Time of no reply o Family tree.

Para terminar, voy a contar algo no muy conocido. El actor Heath Ledger, el último Joker, estaba obsesionado con la música de Nick Drake. Hablaba mucho de escribir un guión sobre la vida de Drake, y como el proyecto se iba retrasando, él mismo grabó su propio video musical de la canción de Drake "Black eyed dog", en el que terminaba ahogándose en su bañera. El destino quiso que Heath tuviera una muerte parecida a la de Nick, con una sobredosis de pastillas, y a una edad similar, 27 años.

Pablo

Música & Drogas III

Nuevo capítulo de la colección sobre música y drogas, hoy os dejamos con las andanzas de Jason Pierce y sus dos proyectos más importantes. Por su "rastro" los reconoceréis...




LA HEROÍNA EN SPACEMEN 3 Y SPIRITUALIZED
TAKING DRUGS TO MAKE MUSIC TO TAKE DRUGS TO...

German Lázaro

En 1982, en plenas midlands inglesas (en Rugby, población cercana a Birmingham), Peter Kember (Sonic Boom) y Jason Pierce (J.Spaceman), forman Spacemen 3. Durante los primeros años, el grupo se dedicará únicamente a ensayar e improvisar música, hasta que en 1986 aparece su primer álbum Sound of Confusion, trabajo de formación en el que empiezan a perfilarse sus gustos musicales, que no son otros que algunas de las bandas más extremas del rock americano de finales de los años sesenta: Iggy & The Stooges, Mc5, The 13th Floor Elevators, The Red Crayola, The Velvet Underground, Silver Apples.
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Con su segundo y tercer disco, The Perfect Prescription (1987) y Playing wih Fire (1989), además de ser sus mejores trabajos su sonido ya está plenamente conformado. Además, otra música tendría una gran influencia sobre ellos: el minimalismo neoyorquino de La-Monte Young y Terry Riley, del que tomaron, como antes ya había hecho Velvet Underground, las estructuras repetitivas y mesméricas, esos mantras que a fuerza de repetirse acaban generando imágenes de modo inconsciente, como en una sesión de hipnosis, o bien, como bajo los efectos de un opiáceo.
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Hemos visto los orígenes musicales de Spacemen 3, situémoslos ahora en su tiempo: la revuelta punk había concluido unos años antes. La new wave, 'nueva ola', de imposible definición porque sin ser nada concreto todo cabía en ella, estaba hiperatomizada. Se puede añadir que en los suburbios ingleses la juventud padecía una falta de perspectivas y de esperanzas gracias a la política (a)social de Margaret Thatcher. En contextos como ése, drogas y música suelen presentarse juntas. En el casom de Jason y Peter, la droga que acabará definiéndolos de alguna manera será la heroína (de hecho, The Perfect Prescription relata a través de sus canciones una experiencia completa con ella).
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Epígonos
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En 1991 aparece el que será el último álbum oficial de Spacemen 3, Recurring. Las cosas están tan mal entre ellos que se reparten las caras de dicho disco, haciendo cada uno lo que quiso en la suya. El resultado apunta ya lo que serán los caminos que tomarán en sus respectivos grupos, Spectrum y Spiritualized (nótese la obsesiva conjunción de las letras SP), aparentemente parecidos , pero que si uno oye con detenimiento encontrará diferencias insalvables, aun surgiendo de un mismo magma. Sonic Boom forma Spectrum (nombre que ya había empleado en un lp en solitario grabado en 1990). El primer disco, que aparece en 1992, Soul Kiss (Glive Divine), es una continuación de us cara en Recurrieng. Algún tema de pop electrónico bastante decepcionante más largas y elaboradas, pero a la postre tediosas y autoindulgentes, esculturas sonoras realizadas con la guitarra y variados electrónicos. Con frecuencia, muy cerca de la música planeadora.
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Otra cosa es lo de Jason y Spiritualized. Con varios discos oficiales de estudio, uno en directo y un montón de maxis, singles, etc., Jason logra hacer una música que puede gustar más o menos, pero que en cualquier caso representa todo lo positivo de Spacemen 3 llevado hacia un horizonte no cerrado, como el cul-de-sac, que es Spectrum. Los tres primeros cds, Lazer Guided Melodies (1992), Pure Phase (1995), Ladies and Gentlemen We are Floating in Space (1997), más temas sueltos pertenecientes al cuarto, Let it Come Down (2000)*, conforman una música que se ha convertido en un objeto precioso, elaborada con un gusto y una atención el detalle extremos, y además con una fuerza emotiva encomiable. La integración de músicas negras del sur, como el gospel, y hasta el free jazz, ha sido definitiva en el resultado final.
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* recordamos que el artículo original fue publicado en el número especial, "Música & Drogas", de la Revista CAÑAMO de Diciembre de 2003.
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Yo ya te lo dije

Sam Cooke

Si ayer se cumplían 41 años de la muerte de Otis Redding, hoy, curiosamente un día después (lo que llevó a levantar diferentes conjeturas) se cumplen 44 de la desaparición de otra de las figuras indiscutibles en la historia del soul, Sam Cooke.

Al igual que Otis, murió joven, a los 33 años de edad y también lo hizo en extrañas circunstancias. Cooke actuó en Los Angeles el 11 de Diciembre de 1964. Tras el recital parece que intimó con una mujer casada. Y aquí es donde encontramos diferentes versiones de lo acaecido en el motel donde fue la pareja con intenciones de pasar la noche (el Hacienda Motel). Hay quien defiende que fue el marido de la ocasional amante de Sam Cooke quien descargó su rabia y sus celos disparando el arma (del calibre 22), vaciándole el cargador en el pecho.

Por otro lado, la versión más extendida es la de que fue la propia dueña del motel, quien sin reconocer a Cooke y únicamente apreciar a un negro forcejeando con una mujer blanca no dudó en disparar al cantante y acabar así con la vida de uno de los precursores del soul.

La razón del forcejeo en el pasillo del Motel sería que la conquista de Sam Cooke aquella noche habría escapado con el dinero de éste, aprovechando que el apuesto soulman se estaba preparando en el baño para el acto amatorio. Cooke al percibir la ausencia tanto de la chica, como del dinero, corrió escaleras abajo, dando alcance a la que hasta hace unos instantes iba a compartir lecho con él. Comenzó entonces un forcejeo que ya sabéis cómo terminó, según una de las hipótesis, insisto.

Fue enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale (California).

Sam Cooke dejó un legado musical importante, no obstante llevaba cantando desde 1950, cuando formaba parte de The Soul Stirrers. La canción que proponemos hoy, sin embargo, fue una publicación póstuma de RCA. Se trata de "A change is gonna change", grabada el 21 de Diciembre de 1963, que alcanzaría el número 9 de las listas de Billboard Black Singles y al 31 en las de POP.

Era una ápoca dificil para la comunidad afroamericana y la canción se convirtió en un himno por los derechos civiles. Si Sam Cooke pudiera ver que un negro ha llegado a ser presidente de su país...(si, lo sé,pero aún así).
.....
Antonio

Octavillas

El 10 de Diciembre de 1966, se redactaba el siguiente comentario, que aparecería en la sección de Breves (pero mucho,añadiría yo) del diario La Vanguardia del día siguiente, a tan sólo tres días del Referendum en el que se sometía a la voluntad de los españoles (ja, ja) la Nueva Ley Orgánica del Estado, una de las siete leyes fundamentales, y mediante la cual se acordaba la continuidad del régimen en la persona de Juan Carlos de Borbón (aunque éste no juraría los pp.ff. del movimiento hasta 1969). Es curioso el trato que daba el "periodista" a aquellos rebeldes abstencionistas.

Página 8.... LA VANGUARDIA ESPAÑOLA ....DOMINGO 11 DICIEMBRE DE 1966

Oviedo: Octavillas comunistas contra el referéndum

Oviedo, 10.- En un barrio de esta ciudad han aparecido octavillas subversivas que, con bajo estilo, instaban al pueblo a abstenerse en el referéndum. Los panfletos, acogidos con indignación por las escasas manos a las que llegaron, iban firmados por el Comité Central del Partido Comunista de España y se supone que han sido enviados desde algún país extranjero.- (Fiel)

....

Poca repercusión la de estas octavillas, quizás hasta nuestro primer número impreso (heredero de aquel espíritu contestatario) haya llegado a más gente. Se trata de una edición limitada y gratuita repartida durante el fin de semana pasado y en la cual queríamos presentarnos en sociedad, informar de nuestra existencia y convertirnos así en uno de los últimos bastiones de las publicaciones contraculturales de la ciudad. Esperamos poder continuar con esta romántica empresa.

Yo ya te lo dije

Otis Redding

Los accidentes de avión han sido, junto con al abuso de los estupefacientes, una de las causas de muerte prematura más "frecuente" dentro del mundo de la música. El caso más emblemático fue, quizás, el que acabó en un fatal desenlace con las vidas de Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper en 1959, pero a éste lo acompañan multitud de tragedias similares, como las de Steve Ray Vaughan (1990); Ronnie Van Zant, Steve Gaines y Cassie Gaines (miembros de Lynyrd Skynyrd en 1977); Randy Rhoads (guitarrista de Ozzy Osborne,1982); Patsy Cline (1963); John Denver (1997); Ricky Nelson (1985); Glenn Miller (1944); Paul Avron Jeffreys (bajista de Cockney Rebel, 1988); Jim Croce (1973) o Kyu Sakamoto (1985).

Sin embargo, la mayor estrella, sin duda perecida en estas circunstancias fue, en mi opinión, Otis Redding, que lo hizo tal día como hoy, hace 41 años (10/12/1967) a los 26 años de edad, al estrellarse su avión (un Beechcraft H18) contra el lago helado de Monona, cerca de Madison (Wisconsin), junto a cuatro miembros de su banda de acompañamiento, The Bar-Keys, y a tan sólo tres minutos de su destino.

Moría uno de los más firmes candidatos a ocupar el trono del soul universal, un hombre que trascendió a su tiempo sentado en una bahía, que hizo más grandes, si cabe, a los sellos Stax y Atlantic, y a cuyo funeral asistieron, entre otras 5000 almas desgarradas, las de Aretha Franklin, Stevie Wonder y James Brown. Cantaron en el mismo Joe Simon y Johnny Taylor, acompañados al piano por Booker T. Jones, mientras el feretro lo trasportaban Sam & Dave junto a las cabezas visibles de la casa Volt.

Ese mismo año, la revista británica Melody Maker lo había nombrado la "voz del año". Por eso, hoy nos quedamos con "Knock on Wood", su último single publicado en vida, como canción para certificarlo y hacer este frío día de invierno un poquito más llevadero.

Esta canción salió en single en Agosto de 1967, la interpretaba junto a Carla Thomas, contenía el tema "Let me be good to you" en su cara b, y alcanzó el número 8 en las listas de R&B, el 30 en las de POP (en ambos casos en USA), así como el número 35 en las listas británicas.

Reverencia.

Antonio

El Hombre Bombilla

Otro día 9 más queremos recordar desde Yo ya te lo dije al Hombre Bombilla, Sergio Algora, el Rey Muerto. Para hoy hemos elegido el relato titulado "ZGZ Confidential" publicado el 17 de Noviembre de 2006 por El Heraldo de Aragón. Inquietante y personal, Algora jugando al despiste agarrado a una botella.

"ZGZ Confidential", por Sergio Algora (17/11/2006)

Ayer me levanté con el cuerpo dolorido. Pensé que era otra vez por culpa de que los bares cierran muy tarde y por mi dichosa manía de entrar en todos ellos. Cuando me miré en el espejo del baño, vi que alguien me había "tocado" la carita. El ojo derecho casi no lo podía abrir y mi labio inferior tenía un bonito rosal de sangre coagulada. O bien había dicho cosas inadecuadas o no había querido hablar.

Desde que decidí saber quién había entrado en casa de mis padres y, tras atarlos en las sillas de la cocina, le había quemado a mi hermana varias veces en los muslos con un cigarrillo mientras preguntaba por unas fotos, mi vida se había complicado. Me dejan correos amenazantes en mi cuenta del periódico y es la segunda vez en una semana que me canean bien caneado.

Por lo menos de la otra vez recuerdo dónde y quién me sacudió. Me pegaron dos policías municipales en la puerta del Sandorff Club. Yo pasaba por allí de puñetera casualidad y dos jóvenes y apuestos funcionarios me abrieron una ceja y la mente a sopapos. También querían saber el escondite de unas fotos. "Las fotos y nos olvidaremos de ti, sin fotos tú nunca te olvidarás de nosotros", me dijeron mientras me pateaban un poco. Tuve que entrar al club Sandorff a reponerme, claro.

Los caminos del señor son inescrutables, amigos. La paliza había sido buena así que hablé con una de las chicas que trabajan allí para que me alquilara una habitación y me diera alcohol de beber, alcohol de curar y vendas. Mientras la samaritana guineana me atendía en privado me habló de otro club en el que se celebraban fiestas privadas con "señores importantes". Y así estoy, de bar en bar investigando y cogiendo unas borracheras que hacen inútiles todas mis averiguaciones.

De repente llama mi padre, dice que mi hermana pequeña se ha ido de casa y que registrando su habitación la policía ha encontrado una foto del alcalde y ella juntos. A la salida de casa un coche patrulla esperaba a la puerta a los otros dos agentes y se los han ventilado. Los han dejado agonizando en el suelo y se han llevado la foto del jefe de la ciudad con mi hermanita. Los polis asesinos le han dicho a mi padre que no se preocupe, que tendrá a la chica de la foto en casa en 24 horas.

Yo ya te lo dije

Felicidad razonable

Hoy, 9 Diciembre, cumple 34 años Ignacio González Vegas (¿Creéis que habría triunfado de la misma manera en el caso de haber elegido "Nacho González" como nombre artístico?), más conocido como Nacho Vegas. El asturiano acaba de publicar "El manifiesto desastre" (Limbo Starr, LS0281), su cuarto trabajo en solitario y del que os hablaremos próximamente. Todo esto ya lo debéis conocer, ávidos buceadores de la actualidad pop, lo que sin embargo, seguramente ignoréis es el hecho de que el Señor Vegas hizo su primera incursión en el mundo de la música en Francia, más concretamente en el coro de la Escuela Correccional Fond de L'Etang ("Los chicos del coro")...¿Se parece de verdad o debería empezar a preocuparme seriamente por lo mío?

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Antonio

Clásicos básicos (o no)

.....,,,.The Beach Boys Today! 1965

La edición de este disco a principios de 1965 marcó el comienzo de una nueva etapa en el trabajo de Brian Wilson, el más grande compositor de la época más fructífera de la historia de la música popular.

Today era el primer trabajo que realizaba tras un colapso nervioso al final del año anterior. Este hecho, provocado a partes iguales por la gran presión que soportaba en los Beach Boys (prácticamente era el único compositor de una obra que ya abarcaba 8 álbumes y 16 singles) y una enfermedad mental incipiente , le había empujado a abandonar las actuaciones en directo y centrarse exclusivamente en el trabajo en el estudio(los Beatles tardarían dos años en tomar una decisión semejante).A partir de entonces, los otros miembros del grupo son sustituidos por músicos de sesión(algunos legendarios con el paso del tiempo)siendo relegados, durante el resto de la década , a un segundo plano donde poco aportarían mas que sus voces. Ellos pasearían por el mundo la franquicia Beach Boys, Brian fabricaría los éxitos.

Liberado de las giras comienza a dar rienda suelta en el estudio a un talento que esta creciendo por momentos. En este álbum ya emplea toda la metodología que el año siguiente le serviría para elaborar su obra magna ,Pet Sounds. Empieza a componer bajo el influjo de las drogas (aquí la marihuana, el LSD aun no había aparecido en su vida), experimenta con instrumentos ajenos al pop tradicional (!When I Grow Up To Be A Man tiene un clavicordio¡), graba por separado a cada músico.

Estos, cada vez mas extrañados por las bizarras indicaciones que la joven estrella les daba, solo aceptan a regañadientes al comprobar, canción tras canción, que lo que parecía un caótico maremagnum de notas en cada pista, se convierten una vez unidas en piezas casi perfectas.

El disco, el noveno de los Beach Boys, apareció el 1 de marzo de 1965 y en él ejecuta la mas inteligente maniobra de su carrera. Agrupa en su cara a las canciones mas inmediatas, las mas radiables y directas, cubriendo el cupo de éxitos necesario para el disco y deja la cara b para unas composiciones mas complejas, que precisan de una escucha mas difícil y atenta, presentando una atmósfera común, en la música y las letras (a veces sobrecogedoras), que opera como un hilo conductor nada obvio.

El álbum no puede tener mejor comienzo (¿Wouldn´t Be Nice quizás?)Do you Wanna Dance, cantada por Dennis Wilson, y versión de Bobby Freeman, es una actualización del sonido característico del grupo a los nuevos tiempos, cumpliendo la amenaza del titulo. Le siguen Good To My Baby y Don´t Hurt My Little Sister, lo mas flojo del disco (esta última ofrecida a las Ronnettes y que Spector rechazó).

El resto de la cara a ,When I Grow Up To Be a Man , Help Me Ronda, (diferente de la versión que saldria como single) y Dance ,Dance ,Dance son clasicos de los Beach Boys, de una instrumentación exuberante e intrincada (comienza a utilizar de forma maestra la pandereta) pero accesibles al mismo tiempo. Las tres fueron sencillos de éxito, incluso la última de estas todo un numero uno.

Es a partir de Please Let Me Wonder , el comienzo de la segunda cara del disco, donde la musica de Brian Wilson alcanza un nuevo nivel, desconocido incluso para los que le rodeaban. Aunque con solo 22 años había escrito alguna de las obras maestras de la música los 60 (I Get Around ,In My Room son solo ejemplos) es en este momento cuando su talento se desboca, no solo creando unas texturas musicales a años luz de sus contemporáneos sino también como un gran letrista, sencillo y sincero, a veces incluso de forma casi dolorosa.

Todas las canciones de esta cara b son extraordinarias (Bull Sessions solo se puede considerar como una broma privada, un ataque a un padre que le habia maltrado desde pequeño), I´m So Young es una gran versión de The Verónicas (Spector siempre presente) y Kiss My Baby es lo mas parecido a una canción de Pet Sounds. Pero Please Let Me Wonder (una de las preferidas por los fans) con una interpretación vocal mayúscula por parte de Brian (pura fragilidad) , y las inquietantes She Knows Me Too Well e In The Back Of My Mind son de lo mejor de la historia. Esta última impresiona aun mas con el paso del tiempo, incluso, desarrollándose en su estructura como la propia vida del autor. Nace dulcemente con la voz de Dennis celebrando sus logros, muriendo como un quejido de dolor rodeado de una marea de instrumentos inconexos por el miedo a perder la cabeza.

El disco fue un éxito rotundo, un cuarto puesto de ventas en una época de dura competencia, marcando la entrada de su autor en la edad adulta y la madurez compositiva.

Siete meses después, impresionado tras la escucha del nuevo LP de Los Beatles , se decide a escribir un álbum que lo superase , una pequeña sinfonía, su obra más ambiciosa hasta el momento.

El disco a superar era Rubber Soul. El disco que lo superó fue Pet Sounds. Comenzaba una competición a ambos lados del atlántico para escribir el mejor disco de pop de todos los tiempos.

César

40 años de reggae

¿Sabéis quien empezó a utilizar el término “Reggae”? ¿No? Pues os lo digo yo, fueron los jamaiquinos Toots & The Maytals. Y lo hicieron, precisamente en su canción de 1968 “Do the reggaey”, toda una declaración de principios de la que se cumplen 40 años.

Toots es Frederick Hibbert, el lider de la banda, nacido en 1945 en Jamaica (Clarendon, en la región de My Pen) en cuya iglesia estuvo cantando gospel hasta que se trasladó a Kingston con 16 años, donde conoció al resto de los Maytals (Henry Gordon y Nathaniel McCarthy).

Ese mismo año 1961, formaron el trío que se llamó únicamente The Maytals en sus orígenes, y que en 1963 publicaría lo que sería su album de debut, “Never grow old –presenting The Maytals”, en el famoso Studio One. Como la mayoría de grupos de la isla, practicaban un ska vertiginoso, que paulatinamente se fue ralentizando con el paso de la década.

En 1965 vería la luz “The Sensational Maytals” segundo larga duración del trío y último que firmarían tan sólo como The Maytals. Más tarde ganarían su primer Jamaican Festival Song (que sería como nuestro festival de Benidorm) con “Bam, Bam”, festival que volverían a ganar otras dos ediciones, antes de retirarse del mismo para dejar paso a nuevos talentos.

Habían alcanzado un éxito notable gracias a singles como “Hallelujah“ (su primera referencia), “Dog War”, “Fever”,“Daddy/It’s you” o “Never you change”, contando en algunos de ellos con la colaboración del excelso Lee Perry, nada menos. Cada sencillo era un nuevo triunfo, y es por eso que para evitar el pago de royalties, llegaron a grabar bajo diferentes nombres, tales como The Royals, The Flames o The Vikings.

Toots fue, posteriormente, encarcelado por posesión de marihuana, lo que paralizó la actividad del grupo, pero circunstancia ésta que los llevó a firmar la que es, posiblemente, la mejor canción de Toots & The Maytals, “54-46 That’s my number”, en alusión al número que, como preso, le había tocado en suerte al cautivo señor Hibbert.

También de la época son “Pressure drop” o “Monkey man”, que se convirtió en su primer éxito más allá de la isla, así como la participación en la película “The harder they come” (con Jimmy Cliff), incluyendo en la banda sonora de la misma, la propia “pressure drop”, así como “Sweet and dandy”.

En la década de los setenta Toots & The Maytals facturaron discos enormes, de gran calidad y repercusión. “Funky Kingston”, “In the dark” o “Reggae got soul” son prueba evidente de ello, no obstante, los Who, tras la grabación de éste último, invitaron a Toots & The Maytals a telonearlos.
A finales de esa misma década, con el resurgir del ska y el reggae en esa Inglaterra inmersa en el thacherismo y el revival, gozaron de gran repercusión entre la juventud británica, e incluso fueron versionados por los Clash y los Specials. Los skinheads (los de verdad) los subieron definitivamente a sus altares, en los que todavía se mantienen.

En los años posteriores, Toots & the Maytals han continuado publicando material nuevo, así como tocando en directo por todo el mundo y siendo agasajados con diferentes premios (Grammy, inclusión en el Rock & Roll Hall of Fame).

Un grupo, sin duda, especial dentro de la historia del reggae, ya que su inspiración espiritual procedía principalmente del cristianismo y no de los rastas, debido a la presencia, desde pequeño, de Toots en la Iglesia, donde formó parte del coro, un entrenamiento perfecto para su voz que le dotó de esas raíces soul y gospel que podemos encontrar en sus canciones.

Antonio

C-86 (la cinta)

Era marzo de 1998, César se acaba de comprar el número 150 del Rockdelux (Jarvis Cocker en la portada) en Valencia y llegó entusiasmado con el casete que regalaba la revista en aquella ocasión.

Se trataba de una selección de grupos del sello Creation que incluía a The Jesús & Mary Chain, Teenage Fanclub, St. Etienne, Bernard Butler, Primal Scream, Hurricane#1, Ultra Living, Arnold y 3 Colours Red. Molaba, definitivamente molaba cuando nos la pinchaba en alguna sesión etílico rocanrolera en su antigua casa.

Gracias a esta cinta descubrimos que el New Musical Express ya hacía esos obsequios desde hacía un tiempo. Tanto es así que se habían llegado a crear “pequeñas escenas” alrededor de sus cintas más logradas. De especial mención son las c-81 y c-86, que habían recibido esos nombres como homenaje a las cintas caseras que se grababan por la época (c-60, c-90), y en clara alusión al amateurismo encantador de alguno de los grupos que en ellas despuntaban.

La cinta c-81 nació en plena evolución de la New Wave, impulsada por el sello Rough Trade, y agrupó a bandas que usaban las guitarras como motor principal de expresión. Grupos como Buzzcocks, Pere Ubu, The Raincoats, The Aztec Camera, Blue Orchids, Red Crayola, Cabaret Voltaire, The Beat o los Orange Juice de Edwin Collins.

Una recopilación vibrante, en suma, la del c-81 que ponía el listón muy alto a la que supondría su tardía continuación, c-86. La cinta número 23 en la historia de la reconocida revista británica (NME 022) y que se enviaba a los lectores por correo previo pago de unas míseras libras.

Pese a la presencia de grupos con un sonido más “duro” en la recopilación, el C86 ha trascendido como una generación de grupos influenciados por el éxito enorme de los Smiths, el twee, el jangle y las guitarras cristalinas de los Byrds. Un total de 22 grupos, y abriendo la cinta unos incipientes Primal Scream (con un look y unas querencias evidentes hacia, precisamente, The Byrds) abordando su “Velocity Girl”, canción que, podríamos decir, fusilaron The Stone Roses años después titulándola “Made of Stone”. Encontramos, además, a otras leyendas alternativas como The Wedding Present, The Soup Dragons o The Pastels, entre otras bandas que apenas trascendieron o que poco más llegaron a publicar.

Un abanico interesante de grupos, actitud punk, filosofía DIY (do it yourself), para una antología de lo que podemos denominar nacimiento del indie tal y como se entendió después. Se echan en falta algunas bandas de la época que bien podrían haber sido incluidas (Televisión Personalities o The Swell Maps) y otras, que después han ido asociadas a ese movimiento y que, sin embargo, no aparecían en la cinta (Talulah Gosh o The BMX Bandits). Lo que no resta un ápice de calidad a este documento histórico de la música contemporánea.

El listado completo de canciones que componía la cinta es el siguiente;

Cara A

1. Primal Scream. Velocity Girl
2. Mighty Lemon Drops. Happy Head
3. The Soup Dragons. Pleasantly Surprised
4. Wolfhounds. Feelig so strange again
5. The Bodines. Therese
6. Mighty Mighty. Law
7. Bogshed. Run to the temple
8. Stump. Buffalo
9. A Witness. Sharpened Sticks
10. The Pastels. Breaking Lines
11. Age of Change. From now on, this will be your God

Cara B

1. Miaow. Sport most royal
2. Close Lobsters. Firestation Flowers
3. Half Man Half Biscuit. I hate nerys hughes (from the heart)
4. The Servants. Transparent
5. Mackencies. Big Jim (there’s no pubs in heaven)
6. Big Flame. New way (quick washand brush with liberation theology)
7. The wedding Present. This boy can wait (a bit longer)
8. Shop Assistants. It’s up to you
9. We’ve got a Fuzzbox. Console me
10. Mc Carthy. Celestial city
11. The Shrubs. Bullfighter’s bones

El espíritu c-86 lo mantuvieron posteriormente vivo algunas discográficas (con Sarah Records a la cabeza, pero también otras, entre las que incluiría a Elefant Records) y bandas como Belle & Sebastián, Bis, Momus o los diferentes proyectos de Amelia Fletcher. Pero esto es ya otra historia.

Antonio